“A foto onde eu quero estar”
por Antônio Carlos Miguel

Esse é o quarto, fiel aos que mostrou nos CDs anteriores, mas, em muitos sentidos, com um sabor de reestreia. Agora com o prenome João junto ao artístico Fênix, “A foto onde eu quero estar” é o primeiro nesta nova década de sua carreira e o seu disco mais autoral. Além de, para um artista que também tanto explorou a presença cênica, inaugurar um visual mais sóbrio.

Sua principal característica, a voz andrógina, tanto tem sido um trunfo quanto um entrave. Numa década de atuação discográfica – a partir da estréia, em 2001, com “Eu, causa e efeito” – houve quem se limitasse à automática comparação com Ney Matogrosso. Mas, se João Fênix sempre assumiu com naturalidade a influência do pioneiro cantor revelado no grupo Secos & Molhados, em seus discos anteriores também mostrou identidade, técnica vocal impecável e um repertório diferenciado, no qual dosou clássicos e composições originais.

Nascido no Recife, ele despertou para a música ao som de mestres como Luiz Gonzaga e Jackson do Pandeiro e, ainda na capital pernambucana, estudou no conservatório, fazendo bacharelato em canto lírico.

Em fins dos anos 90, no Rio, foi um dos destaques do musical “Os Quatro Carreirinhas”, dirigido por Wolf Maya. Depois, viveu uma temporada em Nova York, ampliando suas referências culturais. De volta ao Rio, após “Eu, causa e efeito” confirmou nos trabalhos discográficos seguintes, “Marfim” (2004) e “Ciranda do mundo/Ao vivo” (2010), sua identidade. Música brasileira contemporânea.

Algo que se confirma e fica mais nítido em “A foto onde eu quero estar”, álbum no qual o também compositor assina seis das 11 faixas e ainda é o autor das versões de duas outras (“Hoje sou mais eu” e “O equilibrista e o as animais”), numa seleção que é completada por pessoais interpretações para “Meu Rio” (Caetano Veloso), “Hallelujah” (Leonard Cohen) e “Delírios” (Paulo César Pinheiro e Pedro Amorim).

“A foto onde eu quero estar” mistura com habilidade instrumental acústico e eletrônico, em produção dividida entre Jaime Alem (que assina cinco faixas, além de participar como arranjador e violonista) e JR Tostoi (o responsável pelas outras seis, e presença forte no estúdio com guitarras, violões, dubs, programações, teclados). Fênix e esses dois produtores, com trajetos e perfis bem diferentes, promovem uma troca de referências e experiências, sem fronteiras rígidas entre gêneros, pautados pela invenção.

Na abertura, “Entrar na dança” (João Fênix e Cláudio Lins) promove o encontro de pulsação de pista e leveza: a marcação hipnótica e sinuosa fornecida por Tostoi (programação, dubs e teclado), Guila (baixo) e Jaime Alem (violão) ganha comentários de Fabra (teclado e escaleta) e Serginho Trombone. Já em baladas como “A foto onde eu quero estar” (música e letra de Fênix, na qual confirma sua veia poética ) e “Um segundo” (outra composição dele, citando no fim um trecho de “Olhos nos olhos”, de Chico Buarque) a levada é, a princípio, acústica, conduzida pelos violões de Jaime Alem e pelo baixo acústico de Andre Vasconcelos, mas colorida por intervenções precisas e preciosas de Tostoi (guitarra e dubs) e Sacha Amback (teclados). Há faixas nas quais as cordas vocais de Fênix têm como principais in- terlocutores outras cordas, muitas cordas. É o caso de “Hallelujah”, embalada
por quarteto de cordas – Ricardo Amado (violino), Adonhiran Reis (violino), Gabriel Marin (viola) e Alceu Reis (violoncelo) -, violão (Caio Cezar), viola caipira (Timóteo Squinelato), bandolim (Pedro Amorim), cavaquinho (Alessandro Valente), baixo acústico (Alexandre Brasil). Se o clássico de Cohen ganhou um sotaque entre o caipira pantaneiro e o choro, para o tango “O beijo” (parceria de Fênix com Edu Krieger) o sabor é portenho, com formação de um sexteto que remete a Piazzolla – acordeon (Marcelo Caldi), piano (Estela Caldi), violino (Ricardo Amado), violoncelo (Márcio Mallard), violão (Edu Krieger) e baixo (Guila) -, mas filtrado pelos comentários de Tostoi (programações e dubs).

Mais contrastes no tratamento para “Meu Rio” (uma pérola pouco reverenciada de Caetano Veloso), que alterna a levada samba-choro de Marcos Susano (ritmo), Rodrigo Campello (violão de 7 e cavaco) e Bruno Migliari (baixo) com as intervenções de Fabra (teclado e loop) e Tostoi (programações, teclados e filtros). Ou na densa e eletrônica “O som do amor pra sempre”, unindo o canto fino e límpido de Fênix com o recitado em tom  cavernoso de Luís Capucho, ambos de grande força poética.

As tentativas acima de destrinchar o emaranhado de sonoridades e sentimentos mostram um pouco do quanto esse disco pode proporcionar. É uma questão de sintonia

Site: joaofenix.com.br

Áudio: A Foto Onde Eu Quero Estar

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João Fênix

 

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A Foto Onde Quero Estar

São Paulo, maio de 2012 – A banda D’NAIPES nasceu da busca por diversão de cinco garotos da cidade de São Paulo. Desde então, o grupo amadureceu, em 2008 lançou “De frente com o Mundo”, seu primeiro disco independente, com 2.000 cópias vendidas, e junto com ele o videoclipe da música “Viver um sonho bom”.

Agora, a banda se prepara para o lançamento do novo EP. Intitulado “Time Is Money”, o disco traz 4 faixas inéditas e é o registro fiel da nova sonoridade do grupo.

“O D”NAIPES surgiu com a intenção de fazer um som que fugisse do lugar-comum. Nossas influências vão desde velho rock and roll, passa pelo samba brasileiro e vai até funk feito por James Brown.”, afirma Digão, guitarrista da banda.

A banda participou da cena do rock independente, tocando em diversas cidades e festivais, ao lado de bandas como CPM 22, Pitty, NX Zero, Tihuana e Planta e Raiz. Nesse período, a banda definiu sua identidade musical, que une o wing do funk com as guitarras distorcidas do rock.

“Encaramos as músicas como uma mensagem nossa para as pessoas, por isso não queremos nos limitar a esse ou aquele público. A ideia é fazer um som com conteúdo e qualidade para todos.”, completa Chris, integrante da banda.

As composições giram em torno de temas cotidianos, que abordam assuntos polêmicos, como as músicas “Verdadeira Arte”, e “Time Is Money”, que dá nome ao novo EP e rendeu o último clipe da banda, com participação especial do músico Clemente, vocalista da banda punk Inocentes.

“A música pop sempre nos reserva gratas surpresas, é o caso do D’NAIPES que assumiu a difícil tarefa de misturar rock com funk, e se saiu muito bem nessa empreitada. Riffs colantes, grooves marcantes e letras descompromissadas que te pegam desde o primeiro acorde.”, conta Clemente.

O videoclipe mostra Clemente como o dono de um cassino, que contrata uma banda para tocar em uma das noites da sua casa de jogos. Assim como na música, a história gira em torno de mulheres, jogatina e diversão, recriando o ambiente de “sexo, drogas e rock’n’roll” da antiga geração roqueira. A produção conta ainda com a participação de Mário Bortolotto, ator, escritor e vocalista das bandas Saco de Ratos Blues e Tempo Instavel e do ator Felipe Titto.

“Participar do clipe de “Time is Money” foi divertidíssimo, minha primeira vez como “ator” e já estreio do lado do Mario Bortolotto, quanta honra. Como tempo é dinheiro, já é hora de correr para garantir o dia de hoje, vida longa ao D’NAIPES”, completa o vocalista da banda Inocentes.

A banda é formada por Dudu (vocal), Digão (guitarra e back vocal), Pedro (baixo), Chris (guitarra) e Wall (Bateria).

Site: http://www.dnaipes.com.br

Áudio: Time is Money

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Dnaipes

 

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D’Naipes – Time is Money

Pop em pedaço – vol. I

O cantor, guitarrista e compositor Roney Giah é formado pelo MIT (Musicians Institute of Technology), em Los Angeles, onde estudou com Pat Metheny, Scott Henderson, Frank Gambale, Stanley Jordan, Jenifer Batten (ex-guitarrista de Michael Jackson) e Cat Gray (tecladista do Prince). De volta ao Brasil, em 1994, continuou seus estudos com o Maestro Claudio Leal Ferreira.

Lançou seu primeiro CD – Semente – em 1998, e, desde então, vem chamando a atenção do mercado internacional. Nos EUA, onde lança simultaneamente ao Pop em pedaço vol. 01, o compacto Single Puzzle Piece vol. 01 – com o mesmo conceito e formato do lançamento nacional – Roney esteve, em 2011, por duas vezes no Top 30 das Colleges Radios norte-americanas e com os trabalhos anteriores conquistou premiações importantes, tais como:

•  Latin Grammy (pré-selecionado, edição 2006)
• Indicado ao The Musicoz Award 2010 (categoria Best International Artist)
• Trilha sonora do filme norte-americano No pain, no gain (2008)
• Menção Honrosa do Mike Pinder´s Songwars (2010)
• Menção Honrosa do Billboard World Song Contest (2010)
• Menção Honrosa do The John Lennon Songwriting Contest (2008) – curadoria de Yoko Ono
• 2ª colocação – Best World/Folk album of the year (2011 – Contemporary A Cappella Recording Awards)
• Suggested Artist Honors, Song of the Year 2012
A música Talentless Lover – que integra o Single Puzzle Piece vol. 01 – foi premiada por um júri formado por profissionais de gravadoras internacionais (Warner Music, Universal, Sony Music, EMI, Virgin Records, Dreamworks, Capitol Records e CBS Radio), editores da revista Rolling Stone, vencedores e músicos indicados ao Grammy com o título Suggested Artist Honors. O reconhecimento é concedido pelo Song of the Year, que premia intérpretes e compositores de todo o mundo. A canção pode ser ouvida no link http://soundcloud.com/roneygiah/talentless-lover

No Brasil, Roney Giah lança o Volume 01 da série Pop em Pedaço, que contará com seis edições. Cada volume possui um compacto vinil (7 polegadas) e um CD, ambos contendo dois singles. O formato revisita o
compacto simples, amplamente difundido nas décadas de 1950 e 1960.

A nova incursão musical mostra o lado mais pop de Giah, que busca um diálogo entre o moderno e o tradicional. As programações eletrônicas conversam com instrumentos acústicos e conferem ao trabalho uma arquitetura musical já consagrada por Quincy Jones & Michael Jackson, Liminha & Gilberto Gil.

No primeiro volume, o destaque são as composições Mas até lá e Estamos seguros embaixo do meu cobertor, lançadas em formato acústico no CD Queimando a moleira (2010), e que ganham novo arranjo na primeira edição da série Pop em Pedaço.

Pop em Pedaço conta com Edu Luke (baixo e programações eletrônicas); Bruno Cardozo (piano Rodhes e Hammond); Estela Paixão e Eloiza Paixão (backing vocais) e Roney Giah (voz, guitarra, violões e sinths).

“A velocidade com que as pessoas consomem música não é mesma das décadas de 1980 e 1990; a ideia do formato compacto permite ao artista saciar essa velocidade e, ao mesmo tempo, sentir-se em dia com a sua obra”.
Roney Giah

Para conhecer melhor o trabalho do Roney Giah, visite – www.roneygiah.com.br

Áudio: Mas Até Lá

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Roney Giah

 

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Mas Até Lá

Em breve.

Site: www.mentesa.com.br

Áudio: Vida

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Mente Sã

 

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Mente Sã – Vida

Kaká Reis estréia vídeo-clipe da música “Caminhos Tortos”

Nesta semana, o cantor Kaká Reis lança seu primeiro vídeo-clipe em carreira solo para a música “Caminhos Tortos”, com participação da atriz Jessika Alves.  O novo clipe pode ser assistido na página oficial do cantor http://kakareis.com.br/caminhos-tortos/ e também está no TOP 10 da Mtv e TOPMIX da MixTv.

Kaká tem ganhado grande destaque com suas primeiras canções, chegando aos Trending Topics do Twitter, onde tem mais de 30 mil seguidores.

Esteve à frente da banda Catch Side que, em 2008, foi considerada um dos primeiros grandes fenômenos da internet e concorreu a prêmios como revelação nos Meus Prêmios Nick, da Nickelodeon, e melhor banda e melhor musica de 2008 no Capricho Awards, da revista teen Capricho.

Jessika Alves já brilhou em Malhação e fez uma participação na novela Insensato Coração. Ela faz par romântico com o próprio Kaká Reis no clipe de “Caminhos Tortos”. As gravações aconteceram em junho, no Rio de Janeiro e o vídeo tem direção da MegaHertz Produções.

Sobre Kaká Reis

Mantendo suas letras marcantes, Kaká chega para mostrar que música pop e qualidade podem sim andar juntos. Influenciado por Herbert Vianna, Kaká é cantor e compositor. Lançou suas primeiras músicas em março, ficou famoso na internet com seus vídeos caseiros e agora quer ir mais longe.

Destaque na revista Capricho, ex-apresentador da TV Globinho e com um público fiel ao seu lado, Kaká começa sua Tour 2011 e promete fazer do Brasil o quintal da sua casa. Kaká Reis lançará seu CD solo ainda no segundo semestre deste ano, e já tem shows agendados para os próximos meses.

Com a banda Catch Side, que fundou em 2002, aos 15 anos, Kaká participou da trilha sonora da novela teen “Malhação ID” e também foi parar na programação de clipes do Multishow. Em 2010, quando a banda encerrou suas atividades, também apresentou a “TV Globinho” nas manhãs da Rede Globo.

CONTATOS:

TWITTER: www.twitter.com/kakareisoficial
FACEBOOK: www.facebook.com/#!/KakaReisOficial

Site: www.kakareis.com.br

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Kaká Reis

 

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Vídeo-clipe:

O Teatro Mágico apresenta: “A Sociedade do Espetáculo”

Depois do sucesso dos discos “O Teatro Mágico: Entrada para Raros” e “O Segundo Ato”, a trupe criada por Fernando Anitelli completa a trilogia com “A Sociedade do Espetáculo” e apresenta um novo show, com imagens impactantes e novas performances, números circenses, cenário, figurino e integrantes.

Além das novidades estéticas do show, o trabalho traz novas temáticas e o grande diferencial da produção musical de Daniel Santiago (conhecido pelo seu trabalho ao lado do bandolinista Hamilton de Holanda, um dos principais expoentes da música instrumental contemporânea), que ao lado de Fernando burilou novas ideias, ritmos e sonoridades. Agora, O Teatro Mágico se propõe a fazer um pop moderno, sofisticado e fundamentalmente brasileiro. As músicas continuam ‘acessíveis ao público’, o que resguarda a essência do projeto, mas agora OTM se apresenta bebendo em novas fontes, desde Milton e Clube da Esquina, até a guarania gaúcha e Beatles. Sem dúvida alguma, “A Sociedade do Espetáculo” tem seu diferencial na inovação estética musical, capaz de reunir elementos da musica internacional com uma forte brasilidade, fazendo uma fusão de ritmos.

“A Sociedade do Espetáculo” também traz Fernando Anitelli ao lado de novos parceiros, como Leoni e o próprio Daniel Santiago, e uma nova safra de composições com Danilo Souza, Nô Stopa, Galdino e seu irmão Gustavo. O cd também contou com as participações especiais do gaitista Gabriel Grossi, de Alessandro Kramer (acordeon) e do saxofonista Jeff Coffin, integrante da Dave Matthews Band – uma dos grupos mais atuantes do universo pop.

Há mais de oito anos na estrada, a trupe se consolidou como principal fenômeno da internet no Brasil, obtendo mais de 6 milhões de downloads oficiais na rede, milhões de views no youtube, centenas de seguidores e fãs em redes sociais. Mesmo assim, continua como banda independente e conseguiu estabelecer um trabalho sólido, se apresentando nos palcos mais importantes, das principais cidades e capitais do país. São mais de 300 mil CDs e 120 mil DVDs vendidos.

“A Sociedade do Espetáculo” foi lançado com download gratuito no site http://oteatromagico.mus.br/,  mantendo a postura da trupe de distribuição livre e gratuita de suas músicas, no dia 6 de setembro, mesma data em que começou a distribuição do formato físico, em duas versões: cd ou cd+dvd, que traz um making off das gravações.

Clipes Três clipes já foram lançados na Internet, das faixas “O que se perde enquanto os olhos piscam” (Fernando Anitelli/Twitteiros (as)), “Da Entrega” (Fernando Anitelli/Daniel Santiago) e “Amanhã… Será?” (Daniel Santiago, Fernando Anitelli, Gustavo Anitelli). 48 horas após o lançamento, o clipe “Amanhã… Será?” já tinha mais de 200 mil views no canal oficial da trupe no youtube: http://www.youtube.com/oteatromagico e a hashtag #AmanhaSera ficou nos trending topics do Twitter BR no dia do lançamento.

Influência O álbum leva o mesmo nome do livro de Guy Debord, “A Sociedade do Espetáculo”. A obra, ainda atual do filósofo francês, versa sobre a imagem enquanto elemento organizador da sociedade do consumo, transformando a realidade em ficção, e a ficção em realidade. O conteúdo das melodias e letras traz o questionamento do mundo em que vivemos hoje. Como em “Amanha… Será?”, inspirada nas revoluções que aconteceram no Oriente Médio, organizadas pela Internet, e “O mundo não vale o mundo meu bem”, com uma pegada Drumondiana. Assim como no álbum anterior, a trupe chega na cidade e discute o seu cotidiano político/cultural, sem esquecer também do lado sentimental, como foi no primeiro cd (Entrada para Raros, 2003), resgatando um humanismo individual e coletivo , provocando uma catarse com o forte tom positivista, que só conhece quem já esteve em um show de O Teatro Mágico.

Site: www.oteatromagico.mus.br

Áudio: Nosso Pequeno Castelo

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O Teatro Mágico

 

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Música:

Nosso Pequeno Castelo (mp3)

Video Clip:

Alegria Compartilhada (2011)

O que há num nome? “Forfun”, à primeira vista, parece adolescente e efêmero, “para diversão”, uma tagline redundante para rotular uma banda carioca que passeava pelas praias do hardcore californiano. O termo também poderia ser entendido quase como uma paródia de bandas que fazem sucesso graças à web, um nome genérico em inglês que poderia ter sido inventado pelo South Park ou pelo Alan Sieber, com ironia escorrendo pelos cantos da boca. Olhado à distância, o Forfun parece ser só isso. Mas todo átomo esconde um universo.

E todo universo vive em expansão. Há uma transformação constante que vem acontecendo na carreira da banda que não é só fruto de uma única mudança, a brusca guinada que foi o segundo disco -, Polisenso, que já tinha sido um salto desde os tempos em que ser descoberta e produzida pelo produtor Liminha era um dos grandes diferenciais da banda dentro de uma nova cena que apareceu no início dos anos 00, os emos. Foi a partir de Polisenso que o grupo passou a mexer-se para longe da pura diversão que parecia ser seu lema desde o início. “Éramos moleques com 18 anos cantando as aventuras adolescentes, cotidiano praiano e outros temas hoje superficiais, mas que na época eram extremamente sinceros”, lembra Vítor Isensee, guitarrista e tecladista da banda, lembrando da época em que lançaram seu primeiro disco, Teoria Dinâmica Gastativa, em 2004.

“Com o tempo, fomos abrindo a porta para outras influências e no segundo disco começamos a misturar quatro estilos – reggae, funk, rock e rap -, enquanto as letras abordavam um lado mais espiritual”, continua o guitarrista e vocalista Danilo Cutrim.  “O primeiro disco tinha muito punk rock, mas no segundo começamos a misturar mais coisas diferentes”, completa o baixista e também vocalista Rodrigo Costa. O timbre vocal dos três instrumentistas, muito parecidos, talvez seja a principal assinatura musical do grupo.

Polisenso foi uma guinada radical para a sonoridade e estética do grupo. Para o terceiro disco, o desafio seria levar essa evolução para outro patamar. Mas em vez de partir para a esquizofrenia sonora de vez, resolveram lapidá-la. E para isso chamaram um dos nomes mais importantes na atual produção brasileira, o paulistano Daniel Ganjaman. Integrante do coletivo Instituto, ele é o responsável por ter lançado as carreiras dos rappers Sabotage e Criolo para um público maior, além de ter produzido trabalhos de nomes tão diferentes como Mano Brown, Forgotten Boys, Curumin e tocado ao lado do Planet Hemp e na banda de Otto. E, como se não bastasse, é um tecladista e vocalista de primeira. Com trânsito em todas as alas da atual música pop nacional, Ganjaman era o nome ideal para expandir ainda mais o horizonte da banda, mas sem que ela se perdesse em divagações vazias ou maluquices sem rumo.

Mas mesmo com a presença inconfundível de Ganjaman, o novo trabalho só poderia ser da banda carioca – e é mais que uma continuação de Polisenso, mas uma depuração. Alegria Compartilhada, portanto, abre com a faixa que o batiza e que já começa a misturar as referências básicas do grupo, novidade no disco anterior, umas com as outras – num reggae metal com arranjo com toques de soul. “Quem Vai, Vai” segue pela mesma trilha e começa a realçar as referências brasileiras com o riff de samba rock e o naipe de metais ainda na introdução. As duas primeiras faixas explicitam os pilares que seguram o álbum – um reggae pesado e a música brasileira, ambos envoltos por arranjos com timbres de black music e texturas eletrônicas. “A Garça” reúne essas duas colunas centrais ao descrever um Rio de Janeiro sem juízo de valores, usando os olhos do pássaro para apenas registrar o comportamento humano.

A partir de “Cosmic Jesus” essas referências começam a se misturar cada vez mais, e não apenas em uma música ou outra, mas também dentro da mesma música. As letras também perdem o aspecto contemplativo e espiritual e partem para uma psicodelia de ficção científica parente das letras de Chico Science, que usa termos científicos ou técnicos para descrever paisagens naturais: “O reino vegetal já coloria a ciclovia / Inspirando e exalando a pulsação da massa / E lúcido diante da rica topografia / Sentiu a teia viva entrelaçada pela graça”, canta a letra antes do rapper Black Alien entrar e expandir ainda mais os limites do disco.

“Descendo o Rio” baixa a bola e põe os pés no chão numa balada que faz a ponte entre Lulu Santos e Skank, mas “Tropicália Digital” retoma a expansão de “Cosmic Jesus” enfileirando rótulos de um novo tropocalismo, que entra de chinelos no século XXI. “Cada um com seu cada um, cada macaco no seu galho / Unidade coletiva, ”way of life” solidário / Mutatis Mutandis, rapaziada tá voando / Depois da chuveirada fico aqui elocubrando / Sobre a vida, sobre a morte, sobre a conta no vermelho / As profundezas do espaço, e quem enxergo no espelho / Metáfora nenhuma explicará”, canta Vitor numa letra que ainda cita tsunami, Wikileaks, Rivotril, rolimã, arquipélagos e o olho de Thundera sobre uma base que é descendente direta do disco “BloodSugarSexMagik”, do Red Hot Chili Peppers e sampleia tanto “Alalaô” quanto o engraxate doidão que foi hit no YouTube ao responder, após perguntado sobre drogas, que “quem gosta, gosta, quem não gosta, curte”.
“Dissolver e Recompor” traz de novo o disco para a superfície do planeta, num reggae que interliga tarefas domésticas com o sentido da vida. “Largo dos Leões” é um achado – um reggae tradicional com forte influência do dub e do samba que celebra a cultura dos blocos de carnaval no Rio de Janeiro, citando-os um a um, numa música que pode entrar no imaginário carioca justamente por trazer a lembrança dessa época para o resto do ano. “Minha Jóia” segue pela Jamaica numa bela balada de amor.

“Passados 10 anos de banda e com todos os quatro se aproximando dos 30 anos, acredito que esse disco apresenta a leveza de quem não se preocupa com a ruptura de conceitos pré estabelecidos, como se propunha intuitivamente nosso trabalho anterior. Mas, ao mesmo tempo, também apresenta com naturalidade a maturidade de quatro adultos que têm mais clareza daquilo que são e daquilo que buscam ser”, emenda o baterista Nicolas Christ.

“Essa leveza observa-se tanto nas letras, que flertam com a beleza das pequenas coisas do cotidiano, como a vida de uma garça ou como uma faxina na casa que reflete uma faxina na vida, quanto no ritmo, melodia e harmonia. O disco é bastante dançante com influências que variam de Jorge Ben a Sade. Vale ressaltar que é um disco com maiores pitadas de brasilidade”, continua o baterista, o único dos quatro a encarar a câmera, na foto do grupo no encarte do disco, que é ilustrado, assim como a capa, pela artista plástica Nelma Guimarães, cuja psicodelia naïf se encaixa feito uma luva na sonoridade do grupo – colorido e tribal, caleidoscópico e roots. Adjetivos que se encaixam também em uma das faixas centrais do disco, a transcendente “A Morada”, que equilibra os lados espiritual e rotineiro da banda em uma bucólica balada de rock progressivo.

O clima volta a ficar para cima quase no fim do disco. “Quando a Alma Transborda” volta à tropicália digital do Jesus Cósmico em um andamento quebrado de uma faixa que funde timbres e remonta aos clássicos do funk metal do início dos anos 90 – Faith No More é uma referência instantânea, mas com o filtro bem abrasileirado. A música cita nomes que delimitam intelectualmente o grupo: Yuri Gagarin, Chico Science, Tom Jobim, Santos Dumont, Lévi-Strauss, Maradona, Mandela, Neruda, Milton Santos. “Pra Sempre” encerra Alegria Compartilhada em tom de oração – mas uma oração forfun, que mistura psicodelia e espiritualidade na medida em que a pulsação da música cresce.

Alegria Compartilhada, como o disco anterior, foi liberado para download antes que o CD sequer tivesse chegado da fábrica. A inestimável presença online do grupo garantiu que mais de 100 mil pessoas conseguissem tirar o site da banda do ar, no final de abril, e a apreensão dos fãs em relação ao disco fez que o nome do álbum se tornasse trending topic no Twitter nacional por quase quatro dias seguidos. Em menos de um mês, foram 200 mil downloads, uma média que pode superar rapidamente a de vezes que foi baixado o disco anterior, 800 mil em dois anos e meio.  E a reação dos fãs em relação ao disco foi instantânea, como se o grupo tivesse mesmo fisgado um nervo do zeitgeist mundial que passa pelo Brasil, com um ponto central no Rio de Janeiro.

É nessa onda de energia que o Forfun hoje surfa. Com fãs empolgados o suficiente para dar-lhes o aval para mostrar o rumo, os quatro cariocas abandonam a diversão pura e simples, rápida e passageira para incluí-la dentro de uma sensação que harmoniza paz e, claro, alegria. E assim o nome do grupo ganha um sentido ainda mais amplo. E duradouro.

Alexandre Matias
Maio de 2011

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Forfun – Quem Vai, Vai

“DEPOIS DE UM LONGO INVERNO”

O CPM 22 chega ao seu sétimo disco e a palavra que melhor resume esse trabalho é “maturidade”. Depois de 4 anos do lançamento de “Cidade Cinza” em 2007, a banda volta com aquele que pode ser aclamado como seu melhor disco até hoje. A  expectativa dos fãs finalmente será saciada com um disco repleto de influencias de punk, hardcore e ska. O melhor de tudo é que o CPM 22 continua fiel às suas raízes. É aquela mesma banda que começou lá pelos idos de 1998 quando lotavam o Hangar ( o primeiro templo do hardcore em SP). A banda está com a mesma pegada que nos remete à referencias de Clash, Ramones, Misfits, Stiff Little Fingers, Sham 69 e Pennywise, dentre tantas influencias do bom e velho punk rock. O vocalista Badaui é o mestre das palavras, em seu discurso elas ganham ênfase. Esse lance de trabalhar o poder das palavras vem de seus mestres da década de 80 e do nosso punk brasileiro. De Marcelo Nova do Camisa de Venus, a Redson do Cólera e Clemente dos Inocentes, o estilo vocal de Badauí cantar e proferir as palavras está enraizado nesses ícones do rock brasileiro.  Em termos de formação o CPM 22, mantém um dos melhores times de músicos do rock brasileiro. O baterista Japinha  é um dos melhores dessa nova geração do rock brasileiro a partir dos anos noventa, é preciso e pega literalmente pesado. Os riffs de guitarra de Luciano Garcia tem a fúria de um Steve Jones do Sex Pistols, enquanto o baixo do Fernando completam a cozinha perfeita ao lado das baquetadas do Japinha.

Um lado irresistível desse novo disco é com certeza as faixas com uma levada de ska, um dos ritmos mais empolgantes do rock de todos os tempos. A história do ska vem da Jamaica na década de 60 e foi adotada pela geração punk do final dos anos setenta como The Clash, depois The Specials e Madness, que fizeram do ska um movimento musical dos anos 80. Foi mais popularizada por bandas como Police e aqui no Brasil pelos Paralamas do Sucesso. A galera do CPM 22 sempre adorou resgatar esse lado agitado do ska pras suas canções e tudo ganha uma forma vibrante e dançante como fazem os americanos do Rancid até hoje, misturar ska com The Clash.

Abaixo um faixa a faixa de “Depois de Um Longo Inverno”

01) O disco abre com “Abominável” num tom de marcha punk, o trem CPM 22 entra nos trilhos numa viagem  massacrante, onde a letra já afasta as más vibrações.

02) Vida ou Morte – Esse é o primeiro ska do disco, que mistura deliciosos arranjos de  trumpete, trombone e saxofone  e aquele dançante teclado característico do genero.

03) Filme que eu nunca vi – As bases de guitarra que abrem a música tem aquela referencia Sex Pistols, marcante e precisa enquanto a letra discute  valores e crenças do ser humano.

04) Hospital do Sofredor – A música começa numa levada digamos “Ramonica” com uma pitada de hardcore e a letra bem humorada questiona os sofrimentos  como  no refrão “Quase enfartei  no auge da minha dor/Quase me internei no hospital do Sofredor/Eu me desesperei nem remédio adiantou, mas forte suportei, acabou

05) Cavaleiro Metal – Um dos melhores arranjos desse disco, também vai naquela onda do ska com a sessão de metais atacando já desde o início da música.A letra fala de um perdedor que fez de sua vida uma tragicomédia. Pensando bem essa letra se encaixa numa série de tipos que nos deparamos ao longo de nossas vidas.

06) Quem sou eu – essa é uma composição do Badauí, letra e música, as anteriores  são do Luciano Garcia. Tem a marca hardocore/punk  do bom gosto do autor que quebra num refrão à la Ramones e depois retorna ao hardcore e questiona de forma inteligente um relacionamento e sugere aquela velha e infalível  formula de que a união faz a força.

07) Na medida Certa – Essa canção traz uma carga de influencias oitentistas e ao mesmo tempo flerta com riffs de indie rock, mas em momento algum se prende a isso, pois tem a cara e a marca do som do CPM 22.

08) Um pouco de paciência – Mais centrada numa sonoridade dos anos 90 e com uma pegada hardcore com riffs na onda  Foo Fighters, resulta num pop punk  daqueles pra tocar no rádio e sair cantando  versos como “ E voce por favor não me pressione assim/ Eu não sei desconheço ainda não aprendi/Outra forma de lidar com a situação

09) Sofridos e excluidos -  O tecladinho ska que abre a música é irresistível, lembra as canções do inicio da carreira dos Paralamas que falavam da vida difícil das pessoas, tipo “Alagados”, numa leitura  hardcore na linha CPM 22, grande letra, talvez uma das melhores desse disco.

10) Nova Ordem – Retomando a linha punk hardcore  em quase dois minutos tá dado o recado, “a nova ordem é viver,  olhar pra frente”

11)  CPM 22 – Um surpresa bem agradável nesse disco do CPM22 é essa faixa quase auto-biográfica da banda, uma forma pra lá de simpática de agradecer aos fãs por esses 15 anos de carreira. Uma maneira interessante de aproximar cada vez mais o CPM 22 de seu público e deixá-los mais à vontade ainda ao ouvirem esse novo  disco. Aliás a música retrata muito dessa maturidade da banda que foi citada lá no inicio, o som deles está sintonizado com tudo que acontece nos dias de hoje.

12) Minoria – Esse é outro exemplo do crescimento musical e a expansão de referencias e sonoridades, num certo momento de “Minoria” entra um solo de cello que dá um ar moderno e ao mesmo tempo ousado.

13) Março 76 – Uma letra bem mais auto-biográfica em que Badaui relata momentos de sua vida, “Nascido em São Paulo, março fim dos anos 70 em plena ditadura militar,  aos 12 ouvia Ramones, aos 15 ainda moleque, descobri que a vida não era simples, roubaram o nosso país!” Um retrato de sua sobrevivência aos trancos e barrancos, mas de certa forma exaltando um nacionalismo e a escolha de continuar vivendo nesse Brasil.

É um disco rico em sonoridades e instrumentos diversos, além dos tradicionais baixo, guitarra e bateria. Os saxofones,trumpetes e trombones foram responsabilidade de Fernando Bastos, Paulinho Viveiro e Tiquinho. Mauricio Takara tocou Vibrafone em “CPM 22” e “Filme que eu nunca vi”. Patricia Ribeiro fez o solo de cello maravilhoso  de “Minoria” e Daniel Ganjaman foi responsável pelos sensacionais arranjos de órgão  Hammond, piano e arranjos de metais.Backing vocals e vocais adicionais ficaram por conta de Neli Giogi e Phil Fargnoli.

Três palavras resumem bem o álbum “Depois de Um Longo Inverno”, surpreendente, renovado e cativante. Esse é o CPM 22, que todo  fã esperava, não decepciona em momento algum, atira em novas direções sem perder o foco e acima de tudo vem com letras inteligentes. Se muitos reclamam que o rock brasileiro está carente de bons letristas, o CPM 22 volta com um disco cujo discurso questiona muitos dos nossos valores sociais que ficaram esquecidos de uns tempos pra cá e mostra para nova geração um novo caminho pra que todos cresçam, assim  como eles conseguiram nesse sétimo disco e como falei anteriormente o melhor da carreira do grupo.

Site: http://cpm22.uol.com.br/

Áudio: Hospital do Sofredor

Áudio: Vida ou Morte

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CPM22

 

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CPM22 Vida ou Morte (mp3)

Hospital do Sofredor (mp3)

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Guerreiras unidas pelo talento, as Valkyrias chegam para dar ao pop brasileiro a elegância que ele merece. Selma Lins, Débora Cidrack e Gabriela Nader se preparam para conquistar os corações do Brasil com suas vozes. O trio grava o álbum de estréia com produção do DJ Deeplick, responsável por trabalhos com Seu Jorge, Vanessa da Matta, Wanessa, Cláudia Leitte, Shakira e John Legend.

O primeiro single, “Dar Certo”, que tem Gabriela como uma das compositoras, já explode nas rádios do Brasil. O clipe da música foi dirigido por Simone Rubio e Fernando Andrade (responsável pelo aclamado documentário “Coração Vagabundo”, sobre Caetano Veloso) e apresenta o brilho das Valkyrias dentro e fora dos palcos, mostrando o dia-a-dia das meninas com muito glamour.

Os caminhos dessas três mulheres poderosas se cruzaram pelo talento. Depois de várias incursões no mundo da música, entre elas algumas apresentações em Tóquio e projetos musicais no Brasil, como a passagem pela Banda do Domingão (do programa global do Faustão), a paulistana Selma Lins foi a pioneira do grupo. Ela encontrou um empresário que, com sua experiência e novas parcerias, elaborou um projeto moderno e adequado ao atual mercado fonográfico. A aposta no talento de Selma foi imediata e ela foi convidada a integrar o que seria um trio de vozes.

A mineira Gabriela, que foi criada nos Estados Unidos, onde estudou piano e canto lírico, acabou se apaixonando por seu país de origem em 2004 – veio passar férias no Brasil por duas semanas e nunca mais voltou à terra do Tio Sam. O país recebeu a morena de braços abertos e ela gravou um CD com participações de vários artistas.

Enquanto isso, em Fortaleza, Débora Cidrack desenvolvia sua carreira em bandas locais – cantora desde os 15 anos, ela já havia integrado uma banda só de meninas e soltava a voz em grupos como o Marajazz quando foi descoberta por Milton Guedes. Débora foi indicada para integrar o power trio de vozes em São Paulo, que se tornaria o grupo Valkyrias. E é assim, unindo forças e talento de todos os cantos do país com influências internacionais, que as VKS pretendem agitar o pop brasileiro.

Site: http://www.valkyrias.com.br

Áudio: Feel Good

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Valkyrias

 

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Valkyrias – Feel Good (mp3)

Intensidade, musicalidade e bom conteúdo

Por Elisa Amâncio

Em meados de 2003 surge em São Paulo o grupo Ao Cubo, um grupo de rap conhecido nacionalmente, composto por Cleber, Dj Fjay, Dona Kelly e Vulgo Feijão. Despojados de qualquer preconceito e convictos da mensagem que iriam levar, há quase oito anos vem pelo Brasil levando por meio da música um conceito, um estilo de vida.

Em 2004 lançaram o primeiro álbum “Respire Fundo”, a repercussão foi tão intensa que em 2005 gravaram CD e DVD “Respire Fundo Acústico”. Dois grandes sucessos desta época são as canções “1980” e “Naquela sala”. A identificação das pessoas com as letras trazidas da periferia e de vivências pessoais aproximou ainda mais o Ao Cubo de seu público.

O equilíbrio entre os quatro integrantes do Ao Cubo é um marco na história dos músicos. “Aqui não temos um líder, somos quatro líderes”. O reflexo disso é a continuidade do trabalho que estourou por todo o Brasil. Em 2007 é lançado terceiro CD “Entre o desespero e a esperança”. Faixas como “Mil desculpas” e “Cinderela” são tocadas até os dias de hoje pelas rádios de todo o país.

O reconhecimento do trabalho veio, além dos vários prêmios e indicações recebidas ao longo da carreira o Ao Cubo foi contratado pela gravadora Graça Music. Em 2010 lança o CD “Um por todos” que trás participações especiais de André Valadão, Helião (RZO), Netinho de Paula, Planta e Raiz, e Soraya Moraes.

Do último álbum foram gravados vídeo-clipes, como o da canção “Nasci pra vencer” com participações especiais da cantora Priscila Alcântara, os jogadores Neymar (futebol) e Serginho (vôlei), onde fará parte do DVD “Ao Cubo vídeo clipes” que reúne os principais clipes do grupo.

O Ao Cubo vem conquistando público e crítica. Confiantes em cumprir sua missão de levar esperança para as pessoas que ouvem suas músicas. O diferencial do grupo, além das músicas que emocionam, está ligado na vontade de buscar e na força para inovar o Hip – Hop com intensidade, boa música e conteúdo.

Geralmente quando se vê a expressão “Ao Cubo” vem logo a mente aquela operação matemática em que o número é elevado à potência três para ser multiplicado por ele mesmo. O Ao Cubo é um grupo de rap que trás este nome fazendo associação da terceira potência matemática a Trindade (Pai, Filho e Espírito Santo).

Conheça a obra Ao Cubo

Site: http://www.aocubo3.com

Site: @aocubooficial

Áudio: Põe na Conta

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ao cubo

 

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Ao Cubo – Põe na Conta